귀하의 게시글 덕분에 나도 한 가지 질문을 던져 봅니다:
가장 쉬운 음악 학습 방법은 무엇일까요? — 내 직감으로는, 표준 악보(기보)가 이 과정을 불필요하게 어렵게 만든다고 생각합니다. . .
이건 정말 주제에서 벗어난 이야기이지만, 어쨌든 여기서 말해볼게요. 관리자 중 이 내용을 다른 주제로 옮기는 게 좋다고 생각하시는 분이 있다면 그렇게 하셔도 됩니다.
"표기법(Standard Notation)"이라고 하셨을 때, 악보에 음악을 쓰는 것을 의미하시는 거죠? 그렇게 가정하고 말씀드리겠습니다:
저는 8살쯤(1987년경) 처음 키보드를 가지고 놀기 시작했습니다. 그냥 탐색하는 수준이었지만, 몇 시간씩 그거 가지고 노느라 시간을 보냈죠. 그러다 1991년에 드럼 세트를 처음 갖게 되었고, 그때부터 첫 밴드와 함께 제 노래를 직접 만들기 시작했습니다. 저는 음악 이론을 한 번도 배운 적이 없었습니다. 2016년이 되어서야 비로소 배웠죠. 기초적인 것들은 알고 있었지만, 예를 들어 Gm7 코드가 정확히 무엇인지는 몰랐습니다. 꽤 기초적인 개념인데도요. 그리고 이론을 배우기 시작했을 때, 제게는 완전히 새로운 문이 열렸습니다.
그 시점까지 저는 사람들이 좋아하는 음악을 만들 수 있었고, 제 나라인 포르투갈에서 어느 정도 성공을 거두었기 때문에, 이론을 알든 모르든, 악보를 쓰든 쓰지 않든 그런 문제는 아니었습니다. 중요한 것은 감정과, 어떤 소리가 좋고 어떤 소리가 나쁜지 아는 것이었습니다. 이론을 배운 것은 그저 제가 원할 때 다른 길을 갈 수 있게 해주고, 끝없는 루프를 풀 수 있게 해주는 또 하나의 도구를 제게 주었을 뿐입니다.
제게 음악이란 감정에 관한 것입니다. 코드가 X가 코드가 Y와 잘 어울린다고 해서, 수학적 호환성이 있어서 그렇다는 식의 이야기는 아닙니다. 때로는 음악 이론을 첫 학습 방법으로 시작하면 그런 식이 되기도 하죠. 저는 음악 학습이, 물론 목표에 따라 다르겠지만, 결국 몇 년간 악기를 가지고 이것저것 해보며 어떤 소리가 좋은지 느끼는 과정이어야 한다고 믿습니다. 그렇게 하다 보면, 왜 그런지 몰라도 어떤 것들은 절대 좋은 소리가 나지 않는다는 것을 자연스럽게 깨닫게 됩니다. 솔직히 말하자면, 이것이 최고의 접근법입니다. 대부분의 청중은 어차피 "왜 그런지"를 신경 쓰지 않으니까요. 그들은 그 노래를 좋아하거나, 아니면 그렇지 않거나 둘 중 하나입니다.
제이컵 콜리어(Jacob Collier) 같은 많은 뮤지션들은 저에게 항상 통하지 않았습니다. 그의 음악은 이론적인 측면에서 매우 정교하고 "잘 만들어졌다"고 할 수 있지만, 제게는 감정적으로 공감을 주지 못합니다. 아마도 제가 이론을 너무 많이 아는 것에 대해 문제라고 생각하는 지점이 바로 이것일 겁니다. 할 수 있어서 만드는 것이 아니라, 해야 해서 만드는 것이 되어야 하는데, 이론을 너무 많이 알면 할 수 있어서 만들게 되기 시작합니다.
당신이 할 수 있어서 무언가를 만들 때, 당신은 당신 자신에 대해 생각하고 있는 것입니다. 당신이 해야 해서 무언가를 만들 때, 당신은 그 노래에 대해 생각하고 있는 것입니다. 그리고 제게 그것은 가장 가치 있는 일입니다. 저는 그 노래를 위해 최선의 것을 원하며, 노래는 끊임없이 "이건 너무 많아, 지금은 이걸 필요로 하지 않아"라고 제게 말해줍니다.
그러니 다시 질문으로 돌아가자면: 악기를 몇 년간 가지고 놀라는 제 제안이 “가장 쉬운” 방법인지 모르겠지만, 적어도 제가 가장 큰 즐거움을 느꼈던 방법이고, 그 경로에 대해 감사하고 있습니다. 음악 이론을 배우는 것은 더 쉽고 빠릅니다. 수학 공식처럼 말이죠. 하지만 그것은 당신을 즉시 감옥 안에 가둘 수 있으며, 그것은 함정(비유적인 의미)이 될 수 있습니다.
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네, 수백 년간 사용되어 온 “표준” 표기법입니다. 여기는 기타를 위한 제 “대안” 표기법입니다(대안 표기법은 수천 가지가 존재합니다):
이 주제가 정말 오프토픽이라 따로 분리했지만, 진정한 인간 대화를 장려하는 취지에 따라 자유롭게 이어지는 것을 허용할게요. 
내 음악 경험은 티아고(Tiago)와는 아주 달라요—거의 반대라고 할 수 있죠! 어린 시절 대부분 클라리넷을 연주했지만, 드럼을 위해 클라리넷을 포기했어요. 여전히 드럼을 치고 있죠. 나는 내 음악을 작곡하는 데 완전 무능하고, 귀로 곡을 익히는 것도 잘 못하지만, 악보를 읽는 것은 잘해서 그걸 많이 의존해요. 아마 클래식 훈련과 오케스트라에서 연주한 경험과 관련이 있는 것 같아요.
개발자라면 악보 읽는 법을 배우는 건 식은 죽 먹기일 거예요.
수정: 악보를 살펴봤는데, 불행히도 드럼 음악은 3줄의 오선 위에 담기 힘들 것 같아요. 5줄에도 잘 맞지 않죠. 악보에 필요한 줄의 수는 악기에 따라 꽤 달라진다고 생각해요.
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음악은 그 범위가 너무 방대하여 사실상 무한합니다. 그 뿌리는 인류 최초의 기본적 상호작용에 있으며, 모든 것은 각자의 리듬을 가지고 있습니다. 아프리카의 노예들이 포로 생활 중 서로 소통하기 위해 최초의 리듬을 발명했다는 이야기가 전해집니다.
저는 모든 사람이 사전에 정해진 규칙이 있든 없든 음악을 연주할 수 있다고 생각합니다. 클래식 음악은 아름답고 탱고, 삼바, 재즈, 블루스, 바차타와 같은 특정 구조에 기반을 두고 있습니다.
하지만 프렛이 없는 시타르나, 하모닉스를 기반으로 연주하는 시스템이 있는 핸드드럼을 듣고 나면, 사실 규칙이란 전혀 없었으며 따를(또는 따르지 않을) 관습만 있었음을 깨닫게 됩니다.
신비주의자들(수피, 페르시아인, 불교도)은 트랜스, 리듬, 음의 중심 또는 비프닝(bending)에 집중하여 연주합니다. 자유 형식은 그들의 신성한 연주 방법입니다. 여기서 '연주(play)'는 단순히 공연적 의미를 넘어 '기쁨(joy)'을 의미한다는 점에 주목하세요.
클래식 음악은 미세음(microtones)과 자유 리듬을 배제했지만, 후대의 작곡가들은 그것이 완성이나 궁극의 형태가 아니라 새장임을 증명하기 위해 스스로의 규칙을 깨뜨렸습니다. 그래서 클래식 음악은 확장되어 왔습니다.
저는 항상 거리 연주자들에 주목하며, 그들이 연주하는 것과 깊은 연결을 느꼈습니다. 주류 노래를 연주하며 세계를 순회한 잘 알려진 그룹이 있지만, 거리와 풍경을 탐험하는 시간을 갖고 귀를 기울인다면 훨씬 더 많은 것을 발견할 수 있습니다.
질문자(OP)에게 제 경험을 바탕으로 구체적으로 답변하자면: 음악적 표현은 창의성에서 나오며, 창의성은 직관, 감정, 의도에서 나옵니다. 음악 이론은 이 모든 것에 매우 좋은 형태를 부여해 줄 수 있지만, 지적 마음(foreign: intellectual mind)이 감정을 넘어하려 할 때 오히려 이를 흐리게 만들 수도 있습니다.
즉, 사랑은 이해되는 것이 아니라 살아가며 경험하는 것이며, 음악도 마찬가지입니다. 우리는 때로 지고한 존재나 신이라고도 불리는 완전함(wholeness)과의 가장 진정성 있는 연결을 음악에서 찾는다고 생각합니다.
저는 음악 이론가들의 헌신(전념)을 정말로(많이) 감사히 여깁니다. 그들은 보통 그들의 작곡으로 제 영혼에 깊은 울림을 줍니다. 한편, 저는 몇 년간의 샤먼 수련을 거쳤고, 아마존 열대우림에서 온 라코타(Lakota) 유형의 드럼을 전혀 이론 없이 연주할 수 있음을 발견했습니다.
이것은 제가 하우스/테크노 DJ로 활동한 15년에도 적용됩니다. 저는 독학자이지만, 어린 시절에는 매우 분석적이었습니다. 거의 모든 것을 독서를 통해 배웠지만, 음악과의 관계는 단순히 다르다기보다 '신체적(embodied)'이라고 표현하는 것이 더 적합할지도 모릅니다.
진동의 힘을 '하나(The One)'의 매우 명확한 표현으로 이해했을 때 몇 가지 '아하’의 순간을 경험했습니다. 음악은 일종의 마법이며, 우리 DNA 속에 있다고 생각합니다.
모든 사람은 음악을 연주할 수 있으며, 소명을 느낀다면 정말로 그렇게 해야 합니다.
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나는 재즈 피아노를 조금 연주하고 노래도 합니다.
기보(기악보)는 제한적일 수 있지만, 시창(시보)을 할 수 있다는 점에서 분명히 가치 있습니다.
하지만 기보의 가장 큰 문제는 청취에 대한 강조를 약화시킨다는 점입니다.
귀로 음악을 배우는 것은 훨씬 더 강력하지만, 시간이 훨씬 오래 걸리고 다소 마법 같은 측면이 있습니다.
대학 밴드 중 한 곳에서 만난 한 남자가 거의 즉시 화음을 부를 수 있었던 기억이 납니다. 이는 악보를 보는 것이 아니라 청취를 통해 길러진 기술입니다.
기타 연주자들은 피아노 연주자보다 음악을 배우는 데 더 나은 접근 방식을 취하는 것 같습니다. 이는 기타 연주자들이 더 빨리 곡을 연주하기 시작하고, 피아노 연주자들이 복잡한 곡에 집착하는 동안 곡의 구조와 화음에 집중하기 때문이라고 생각합니다.
하지만 핵심만 말씀드리자면:
- 당신에게 영감을 주는 것을 연주하세요 (목표를 달성하기 위해 컴퓨터 프로그램을 작성하는 것처럼)
- 완벽하게 할 때까지 단번에 녹음하며 반복하세요.
- 그룹으로 연주하여 스스로 실력을 갖추도록 하세요.
저는 종종 교회에서 연주하며, 일부 곡의 화성을 재배열하여 더 현대적인 느낌을 줍니다. 주일 준비는 재능을 키우는 과정입니다. 왜냐하면 그것은 가짜로 대체할 수 없기 때문입니다.
바흐는 자신의 대부분의 음악을 주일 예배를 위해 작곡했습니다. 그 주별 목표가 그를 완성시켰습니다. 피드백 루프는 그의 천재성을 발전시키는 데 도움이 되었으며, 우리에게 그의 놀라운 레퍼토리를 선사했습니다.
마찬가지로, 단순히 리허설만 하는 밴드보다 실제로 정기적으로 공연하는 밴드가 더 빠르게 실력이 향상됩니다.
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와, 메타에서 이런 아이스브레이킹 주제가 나오다니, 평생 볼 수 없을 거라 생각했던 것을 보는 것 같다 
악기 배우는 건 항상 내게 큰 좌절의 대상이었어요.
사춘기 시절 3년 동안 피아노를 "배웠"습니다. 아주 성실하지는 않았지만 정말 훌륭한 선생님이 계셨어요. 유머 감각이 좋고 음악적 배경이 풍부한 분이셨죠.
하지만 피아노에 대해서는 정말 아무것도 기억하지 못했어요. 몇 년 후 혼자서 다시 배워보려 했죠. 좋아하는 곡을 귀로 듣고 NoteEdit(또는 비슷한 소프트웨어)으로 전곡을 받아 적는 등, 정말 수백 시간을 어설프게 연습하는 데 썼지만, 또다시 아무것도 기억하지 못했습니다.
몇 달 전에는 앱(Simply Piano)을 써서 네 번째, 혹은 다섯 번째로 배우기를 시도했습니다.
매번 피아노 건반에 손가락을 대면, 텅 빈 바다에 들어가는 기분이 들어요. 이렇게나 많은 시간을 쓰고, 악보를 그렇게나 많이 읽었는데도 악보를 읽을 수 없다는 사실이 믿기지가 않아요. 심지어 한 음표조차 읽을 수 없죠. 이 음은 G이고, 저 음은 F라고 알기 위해 악보의 음을 하나하나 손으로 세어야 합니다.
피아노를 배우고 싶다는 갈망이 있어요. 그 소리를 정말 사랑하고, 이 악기는 분명 저와 공명을 일으킵니다. 틀렸을 수도 있지만, 제 뇌의 구조가 음악 학습과는 정말 맞지 않는다고 확신합니다.
몇 달 동안 기타도 배워보았지만 결과는 마찬가지였어요.
많은 사람들이 인내와 끈기만 있다면 누구나 어떤 기술이든 배울 수 있다고 말합니다. 저는 그 말에 정말 동의하지 않습니다.
더 이상 그림을 그리지는 않겠지만, 그림에 대해 조금은 압니다. 그림을 못 그리는 사람들을 많이 봤어요. 몇 년, 심지어 몇십 년을 그 활동에 쏟아부었는데도 기술적 실력(또는 영감, 주제 등 무엇이든)은 여전히 초라하고 더 이상 발전하지 못하는 것 같았죠. 하지만 그들이 자기 작업에 만족한다면 그들에게는 좋은 일이죠. 그중 일부는 일이 어떻게 흘러가든, 그리고 그들이 할 수 있는 것에 분명 만족해합니다. 제 의견은 조금도 중요하지 않죠.
확실한 것은, 제가 그림에서 그렇게 기술적으로 제한적이면 행복하지 않을 것이라는 점입니다. 제 프로젝트와 창의성을 방해할 테니까요. 악기도 마찬가지라고 믿습니다.
배우거나 연주하려고 할 때 제 머릿속에서 무슨 일이 일어나는지는 설명하기가 어렵습니다.
형상 분류기를 사용하는 것과 같은 느낌이에요,
하지만 모든 나무 조각의 형태가 불분명해서, 어떤 조각이 어떤 구멍에 들어가는지 절대 알 수 없어요.
피아노 앞의 저를 정확히 묘사한 그림:
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물론 정말 도움이 되는 말씀입니다. 어떤 분야에 발을 들이려면 이런 수준의 욕구가 필수적이죠.
그렇기도 할 수 있습니다. 저는 단어 게임은 그저 평범한 수준이지만 공간 추론 퍼즐에서는 뛰어난 편입니다. 뇌는 사람마다 다양한 방식으로 발달하니까요. 저는 어린 시절 국가를 옮겨서 다른 언어를 배워야 했기 때문에 첫 언어 학습이 방해받았습니다. 이는 축하할 일이지만, 원하는 바와 결과가 잘 맞지 않을 때는 답답한 법입니다. 하지만 더 많은 고통을 견디며 계속 밀고 나가면, 결국 그 경직된 틀을 깨고 모든 것이 자연스럽게 흘러가게 될지도 모릅니다.
아마도 학습에 대한 다른 접근법이 필요할지도 모릅니다. 악보 위의 점들보다는 화음과 선율을 생각해 보세요. 악보 위에 어떻게 보이는지가 아니라, 그 소리가 어떻게 들리는지에 집중하는 겁니다. 시지(시보)는 훌륭하지만, 그것이 음악의 핵심은 아닙니다.
행운을 빕니다!
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답변해 주신 모든 분들께 감사드립니다 - 정말 흥미롭고 유용한 정보들이 많았어요! 여기서 나온 몇 가지 아이디어를 실험해 보고 어떻게 될지 지켜볼 생각입니다.
참고로, 갑자기 이런 생각이 들었습니다 - 여기서 논의된 내용을 다루는 “Learning Music” 디스커스(Discourse) 사이트를 구축하는 데 관심이 있는 분이 있다면, 제가 초기 구축을 도와드리겠습니다!
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무료 플랜의 강력한 후보군으로 보입니다.
그 마음 잘 이해합니다! 우리는 그 아이디어에 분명히 열려 있지만, 몇 가지 가이드라인이 필요합니다. 품질이 낮고 주제에서 벗어난 잡다한 내용들이 너무 많이 쏟아지는 것은 피하고 싶지만, 사람들이 서로에게서 배우고 대화하는 모습은 정말 좋습니다.
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저의 배경은 바이오메디컬 연구와 IT입니다. 그래서 이 기사가 흥미롭네요:
Seoul National University team reconstructs imagined melodies from brain signals - DongA Science
이 기술이 꼭 갖고 싶습니다!
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이 말씀이 정확히 어떤 뜻인지 설명해 주시겠어요?
저는 음악가이자 음악 프로듀서로서 커뮤니티를 구축하고 있는데, 당연히 음악 토론 섹션이 포함될 것입니다.
저는 전반적으로 소셜 미디어에 지쳐서, 제 음악에 대해 이야기할 뿐만 아니라 음악 전반에 대해, 그리고 제가 열정을 가지고 있는 다른 주제들에 대해서도 이야기할 수 있는 커뮤니티를 만드는 것이 주요 목표입니다.
의도를 명확히 설명해 주신다면, 그것이 제 커뮤니티 목표의 일부인지 알려드릴 수 있을 것 같습니다.
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여기 구독자 전용이지만 Discourse를 사용하는 피아노 학습 사이트가 있습니다.
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제 경우를 생각해보면, '청력 훈련(play by ear)'을 배울 때 의미 있는 것이면서도 직관적인 ‘대안적’ 악보가 있었으면 합니다. 텔레그램 채팅으로 대화할 수 있다면 더 잘 설명드릴 수 있을 것 같아요?